Современные театры: Современный театр: от моноспектакля до иммерсивного действия
Современный театр: от моноспектакля до иммерсивного действия
Публикации раздела Театры
Долгое время театральное искусство оставалось практически неизменным, а его жанрами были комедия, трагедия и драма. Но с появлением кино, видеоигр и интернета режиссеры начали искать новый язык общения со зрителем и придумывать иные подходы к постановке. Они стали интегрировать в свои спектакли другие виды искусств, вовлекать зал в действие и проводить представления в необычных местах. «Культура.РФ» предлагает познакомиться с некоторыми современными театральными направлениями.
Документальный театр
Сцена из спектакля Елены Греминой «150 причин не защищать родину». «Театр.doc», Москва. Фотография: teatrdoc.ru
Постановки в документальном театре основаны на реальных событиях. В качестве материала для пьес драматурги используют нехудожественный текст, например интервью, письма, дневники, стенограммы, статьи. Авторы стремятся достоверно показать окружающий мир, поэтому опираются на конкретные факты и реплики очевидцев.
В пьесах этого жанра нет места вымыслу и интерпретациям. Одна из самых популярных техник документального театра — вербатим, в переводе с латинского означает «дословно». Чаще всего артисты сами берут интервью у участников событий и на сцене точно воспроизводят не только сказанное, но и манеру речи героев с акцентом, эвфемизмами и жаргонизмами.
История современного документального театра началась в 1920-е годы в СССР. В послереволюционные годы страна переживала сильные социальные потрясения и нуждалась в новом искусстве. Так в Москве появился агитационный театральный коллектив «Синяя блуза», который рассказывал малограмотному населению о происходящих событиях. Артисты инсценировали новости, дополняя их танцами и песнями. Вскоре после первого выступления такие «живые газеты» стали появляться в других городах. Затем традиции документального театра подхватили и европейские площадки.
Сегодня главными темами таких спектаклей стали войны и геноциды, политические и социальные проблемы.
Режиссеры затрагивают вопросы феминизма, свободы вероисповедания, расовой нетерпимости, иммиграции. В России это направление представляет московский «Театр.doc» — большую часть спектаклей в нем ставят по нехудожественным текстам и интервью реальных людей. Периодически документальные пьесы идут и на других площадках: например, Пензенский областной академический театр им. Луначарского представил «Историю одного преступления», в которой дословно воспроизводится переписка Льва Толстого и Петра Столыпина.
Иммерсивный театр
Сцена из спектакля Юрия Квятковского «Норманск». Центр им. Вс. Мейерхольда, Москва. Фотография: meyerhold.ru
Иммерсивный в переводе с английского значит «создающий эффект присутствия». В этом жанре для постановщиков главное — сделать зрителей соучастниками действия. Посетителям разрешают брать реквизит, разговаривать с актерами или даже выбирать, как будут развиваться события. Сами артисты могут завязать гостю глаза, отвести его в другую комнату, обнять или пригласить что-то сделать вместе — так зрителей вовлекают в совместное создание спектакля.
Иногда в иммерсивных представлениях проходят несколько сюжетных линий, каждая из которых развивается в определенном месте. Зрители сами выбирают, за какой из них они хотят следить, и идут по заданному маршруту. Именно поэтому, приходя на шоу во второй или третий раз, гости могут посмотреть новую историю в другой локации.
Это подталкивает режиссеров переосмысливать сценическое пространство. В иммерсивных спектаклях нет зрительного зала, действие разворачивается прямо среди гостей. К тому же такие представления часто проходят не в традиционном здании театра, а в необычных местах — старинном особняке или на заброшенном заводе.
Иммерсивный театр зародился в начале XXI века, когда стали популярны видеоигры. Первый спектакль в этом жанре поставила британская компания Punchdrunk в 2000 году, но на весь мир она прославилась спустя девять лет — представлением «Sleep No More». Его действие проходило на заброшенном складе Нью-Йорка, по которому бродили зрители в масках. Шоу стало очень популярным, а в Шанхае даже создали его китайскую версию.
Одним из первых в России иммерсивный спектакль поставил Центр им. Мейерхольда. Им стал «Норманск» по постапокалиптическому роману братьев Стругацких «Гадкие лебеди». Представление объединило в себе элементы мюзикла, квеста и компьютерных игр.
Читайте также:
- 5 костюмов Музея Большого театра
- Театральный этикет в XIX веке
- Русский балет за рубежом
Пластический театр
Сцена из спектакля Марка Захарова «Небесные странники» («Попрыгунья»). Московский театр «Ленком», Москва. Фотография: lenkom.ru
В пластических спектаклях переплетаются драма и хореография. Помимо танца, режиссеры используют пантомиму, стилизованные боевые искусства, театр теней, акробатические и цирковые номера — все, что связано с движением. Иногда в таких представлениях полностью отсутствуют слова.
Первые черты пластического театра стали появляться в постановках начала XX века в Российской империи. Первопроходцами этого жанра считаются Александр Таиров, Всеволод Мейерхольд, Константин Станиславский, Айседора Дункан.
На Западе впервые о пластическом театре заговорил Теннесси Уилльямс. В предисловии пьесы «Стеклянный зверинец» 1944 года он отметил: чтобы создать правдоподобное драматургическое произведение, нужно отойти от строгих литературных канонов и объединить его со скульптурой, архитектурой, танцем.
В СССР в жанре пластического театра работал режиссер Гедрюс Мацкявичюс. В своих спектаклях он старался как можно реже прибегать к главному средству классической пьесы — слову. Вместо этого сюжет и чувства героев режиссер передавал с помощью танцев. Для своих представлений Мацкявичюс создавал оригинальные сценарии на основе нетрадиционных драматургических источников: живописных полотен XIX–XX веков, сонетов Уильяма Шекспира, историй из Ветхого Завета. Сегодня режиссеры чаще соединяют пластический театр с другими жанрами. Например, Марк Захаров поставил в московском театре «Ленком» традиционный трагикомический спектакль «Небесные странники», а танцевальными номерами обозначил важные сюжетные линии.
Театр художника
Сцена из спектакля «Монохром». Инженерный театр АХЕ, Санкт-Петербург. Фотография: Владимир Телегин / akhe.ru
В спектаклях этого жанра основной акцент делается на визуальное оформление. Костюмы, декорации, реквизит становятся самостоятельными участниками действия и по-своему дополняют смысл произведения. Помимо сценографии, в качестве выразительного средства режиссеры иногда используют инсталляции, перформансы и акции. В таких постановках слова часто играют второстепенную роль, главное — внешняя эстетика.
Как отдельный жанр театр художника зародился в Российской империи в конце XIX века, когда меценаты стали приглашать известных живописцев в свои частные оперы оформить спектакли. Так мастера стали полноценными соавторами представления, а живопись проникла в театральное искусство. Позже экспериментировать со сценографией продолжили русские авангардисты Казимир Малевич, Василий Кандинский, Эль Лисицкий. В Европе эти традиции развивали итальянские футуристы и мастера немецкого Баухауса.
Расцвет театра художника произошел за рубежом во второй половине XX века, когда свои спектакли ставили Тадеуш Кантор, Питер Шуман, Ахим Фрайер.
В настоящее время в России это направление представляют Инженерный театр АХЕ и «Лаборатория Дмитрия Крымова». В их спектаклях почти нет слов, а основную роль играет пластика, свет и необычные художественные приемы. Так называемые «живые картины» ставят и другие площадки: например, в 2002 году в Мариинском театре Илья Уткин и Евгений Монахов оформили балет «Золушка» в виде мегаполиса с многоэтажными металлическими строениями и лестницами. Такие индустриальные декорации осовременили спектакль и помогли по-новому взглянуть на классический сюжет сказки.
Театр одного актера
Сцена из спектакля Валерия Фокина «Константин Райкин. Вечер с Достоевским». Российский государственный театр «Сатирикон» им. Аркадия Райкина, Москва. Фотография: satirikon.ru
Театром одного актера, или моноспектаклем, называют театральную постановку, в которой участвует всего один исполнитель.
В таких представлениях обычно минимум сценических эффектов, декораций и музыкального наполнения. Однако это не значит, что представление создает единственный человек — в производстве могут участвовать режиссеры, драматурги, сценографы и композиторы. Иногда актер совмещает все эти роли и ставит свое выступление сам.
Режиссер моноспектакля может инсценировать так называемую монодраму по сюжету единственного произведения или создать спектакль-концерт из нескольких стихотворений, песен, коротких рассказов одного или разных авторов. В качестве литературной основы в таком сольном представлении используются традиционные пьесы, автобиографии, поэтические сочинения. Некоторые из них изначально пишутся под конкретного актера.
Первые выступления, похожие на моноспектакли, появились еще несколько тысяч лет назад, когда артисты ходили по городам и рассказывали мифы и легенды из народного эпоса. Затем в этом же жанре выступали греки, английские менестрели и французские трубадуры. Новое развитие театр одного актера получил в начале XVIII века, когда в узких кругах стали проводить вечера искусств, которые не были рассчитаны на широкую публику.
Вновь к этому жанру обратились в 60-х годах XX века. В СССР в нем выступали Михаил Козаков, Леонид Филатов, Алиса Фрейндлих, Валерий Золотухин. Сейчас моноспектакли ставят для опытных мастеров во многих российских театрах: Сатириконе, МХТ им. А.П. Чехова, Центре им. Мейерхольда.
Автор: Снежана Черныш
Теги:
Современный театрТеатрыПубликации раздела Театры
Смотрите также
Необычные и уникальные театры Петербурга
Необычные и уникальные театры Петербурга- 2653
com/spb/list/sobyitiya-do-1500-rublej/» data-featured-path=»/spb/best/»> 2
com/spb/list/kontsertyi-v-maltijskoj-kapelle/» data-item-url=»https://kudago.com/spb/list/kontsertyi-v-maltijskoj-kapelle/» data-featured-path=»/spb/best/»> 4 11650
mix» data-ping-position=»3″ data-featured-url=»https://comedytheatre.ru/performances/nomer-13?spb=1&utm_source=kudago&utm_medium=kudago&utm_campaign=kudago&erid=Kra23WKa1″ data-item-url=»https://kudago.com/spb/event/teatr-nomer-13-2023/» data-featured-path=»/spb/best/»>Реклама
Реклама
856
mix» data-ping-position=»3″ data-featured-url=»https://kudago.com/spb/event/obuchenie-master-klassyi-v-artista-handmade/» data-item-url=»https://kudago.com/spb/event/obuchenie-master-klassyi-v-artista-handmade/» data-featured-path=»/spb/best/»> 10 4514
Фото: vk.com
Учебный театр «На Моховой»
Фото: vk.
com Театр «Особняк»
Фото: vk.com«Театр Дождей»
Арт-кафе «Подвал Бродячей собаки»
Фото: vsobaka.ruТеатр «Суббота»
Фото: vk.comБольшой театр кукол
Фото: vk.comТеатр «Karlsson Haus»
Фото: vk.comХотите быть в курсе всего самого интересного в городе? Подписывайтесь на нас в
Дзен. Рекомендации от KudaGo, планы на выходные, интересные события, места и подборки — читайте нас там, где вам удобно.Самые интересные события в городе.
Лучшие концерты, выставки и спектакли по версии редакции KudaGo.
Посмотреть
Особняк.Театр
Дерзкий, неординарный, оригинальный — такие эпитеты соответствуют этому нестандартному театру, который ставит спектакли по картинам Босха и Брейгеля и даёт смелую интерпретацию даже «Сказке о золотой рыбке». «Особняк» стоит особняком уже более 25 лет.
«Театр Дождей» 6+
наб. реки Фонтанки, д. 130 Театр «Суббота»
Театр, основанный в 1969 году, сегодня является одним из самых атмосферных и неординарных площадок города — постановки труппы отличаются своим уникальным стилем и неповторимыми образами.
ул. Звенигородская, д. 30«Такой театр»
Уникальный театр, первый спектакль которого сразу же был номинирован на «Золотую Маску».
Уникальность «Такого театра» заключается ещё и в том, что здесь ставятся пьесы, написанные своими же артистами. Актёры труппы — настоящие театральные универсалы. Они не только талантливые сценаристы, но ещё и исполнители главных ролей, режиссёры и певцы. Есть в афише и спектакли по произведениям А. П. Чехова, Сэмюэля Беккета, Шолом-Алейхема, Виктора Пелевина, Даниила Хармса, Владимира Маяковского.
Театр Поколений
Единственный петербургский театр-лофт с более чем 30-летней историей
Сегодняшней сценой Театра Поколений стало бывшее производственное помещение, где нет привычного деления на сцену и зрительный зал.
Это театр XXI века, и его репертуар построен в равной мере на эпосе, классике и новой драме.
Учебный театр «На Моховой» 0+
«На Моховой» — самый большой учебный театр в России. В нём идут профессиональные спектакли в исполнении молодых актёров — студентов Российского государственного института сценических искусств, основанного в 1779 году. Среди особенностей театра: уникальный исторический зал-амфитеатр, быстро меняющийся репертуар, огромное количество открытых на этой сцене звёзд и многое другое.
очень рекомендуем
Арт-кафе «Подвал бродячей собаки» 12+
Легендарное кафе, ставшее культурным памятником Санкт-Петербурга. Сегодня здесь проходят персональные выставки художников, спектакли, перформансы и концерты. На сцене арт-подвала выступают знаменитые петербургские и московские актёры и певцы, музыкальные группы, молодые театральные коллективы.
В программе много постановок, посвящённых историческому прошлому арт-кафе и людям, связанным с ним.
Театр «Алые Паруса» 0+
Театр не случайно выбрал себе название в честь истории А. Грина о простом человеческом чуде. Кредо этого коллектива — создавать чудо своими руками. Театр представляет довольно обширный репертуар, здесь можно увидеть как драматические постановки для взрослых, так и весёлые детские представления.
Взрослый репертуар включает спектакли по классике — «Чеховские сюжеты», «Свидание в белую ночь», «Вдохновлённые Достоевским» и другие. Для детей предназначены «Сказка летнего дождя», «Принцесса Августина», «Сочинялки».
Большой театр кукол
Парадный вход в таинственный мир марионеток.
После третьего звонка, когда выключается свет в зале, куклы оживают.
Реальный мир размывается, и зритель попадает то ли в сон, то ли в мечту. Придумали Большой театр кукол взрослые, которые остались в душе детьми. Сегодня театру более 80 лет, но он фонтанирует энергией и новыми проектами. В репертуаре БТК каждый может найти что-то интересное для себя. Так, например, интересен новый спектакль-матрица для взрослых «Высоцкий. Requiem».
Театр Karlsson Haus на Фонтанке
В лучших традициях европейского семейного домашнего театра детей познакомят со знаменитыми сюжетами скандинавских и английских сказок.
Это домашний театр-студия: уютная комната, устланная мягким ковром с россыпью из 30 разноцветных подушек. Артисты петербургского коллектива «Karlson Haus» работают в лучших традициях детского семейного европейского театра, в каждом спектакле используя самые разные выразительные средства: мультипликацию, кукол и музыку.
Если вы нашли опечатку или ошибку, выделите фрагмент текста, содержащий её, и нажмите Ctrl+↵
Выберите рассылку:
Нажимая на кнопку «Подписаться», вы соглашаетесь на передачу и обработку предоставленной персональной информации в соответствии с условиями Политики конфиденциальности.
Подписка оформлена
Спасибо!
КНИГА — Современные театры
Немногие театры были построены в 1940-х годах, а строительство и реконструкция театров возобновились только в начале 1950-х годов.
Таким образом, в разделе Современные театры основное внимание уделяется театрам, оперным театрам и концертным залам, построенным в период с 1950 по 2020 год. s, открытые с 1950 по 2010 год
Эссе
Ведущим мыслителям и экспертам в своих областях было предложено написать эссе на определенные темы. Эти очерки охватывают архитектуру, акустику и технологии современных театральных зданий. Они также принимают роль новых зданий исполнительских искусств в своих сообществах. В эссе и во всех разделах «Современные театры» слово «театры» используется в широком смысле и включает в себя концертные залы, оперные театры, места для танцев и другие типы сценических площадок. Эссе оглядываются назад на изменения в технологиях, архитектуре, местах для музыки и т. д. с 1950. Некоторые из эссе также размышляют о будущих направлениях.
Важные театры – с 1950 по 2010 г.
Выдающихся архитекторов, театральных деятелей, консультантов и т. д. попросили еще раз посетить и заново оценить 30 «значительных» театров, открывшихся в период с 1950 по 2010 г. Слово «значительный» появилось после рассматривая и отвергая многие другие слова, такие как «отличный», «хороший», «успешный», «вдохновляющий», «новаторский» и «инновационный».
Театры, концертные залы и оперные театры могут быть «значимыми» по разным причинам. Сиднейский оперный театр, например, является одним из величайших произведений архитектуры 20-го века, но большинству театральных деятелей известно, что Сиднейский оперный театр является одним из самых скомпрометированных оперных театров и концертных залов с точки зрения акустики, функциональности и театральности. . Хотя Сиднейский оперный театр представляет собой великолепную архитектуру, это не хороший оперный театр, концертный зал или центр исполнительских искусств. Это оказало самое глубокое влияние на восприятие Сиднея и Австралии людьми.
Некоторые здания исполнительских искусств за этот 60-летний период были действительно инновационными. До открытия Берлинской филармонии Ханса Шаруна в 1963 году мир видел и слышал классическую музыку, исполнявшуюся в традиционных залах в форме обувной коробки, таких как Музикферайн в Вене или Консертгебау в Амстердаме. Шарун полностью заново изобрел комнаты для музыки. Он отказался от обувной коробки, собрал аудиторию вокруг платформы и первым придумал выражение «виноградник» для описания этой новой формы музыкального пространства. Берлинская филармония, вероятно, является самым новаторским и вдохновляющим залом того периода: благодаря этому пространству для исполнительских искусств дизайн концертного зала действительно преобразился.
Зачем начинать с 1950 года?
Вторая мировая война принесла почти полную остановку театрального строительства, а также разрушение буквально сотен театров, концертных залов и оперных театров. Таким образом, 1950 год казался разумной отправной точкой для этой работы.
Первым рассматриваемым зданием является лондонский Королевский фестивальный зал, который открылся 3 мая 1951 года.
Почему заканчивается в 2010 году?
При оценке «значительных» театров мы считали важным, чтобы с момента открытия прошло достаточно времени, чтобы можно было объективно оценить здание. Рассел Джонсон, легендарный акустический консультант, предложил шестилетний период оценки для новых театров:0006
- Годы первый и второй: все прекрасно, боль наконец-то прошла. Здание открылось. Деньги перестали вытекать.
- Годы три и четыре: все идет не так. Крыша протекает. Художественный руководитель уходит. Дефицит намного больше, чем кто-либо думал.
- Годы пять и шесть: возникает справедливая оценка. Новостройку посетило достаточно знающих людей, чтобы сложилась взвешенная оценка.
Следуя этой логике, было решено сосредоточить внимание на театрах, открывшихся к 2010 году.
Снимки других кинотеатров, открывшихся в период с 2009 по 2020 год .
Чтобы представить представление о текущих, современных событиях, Современные театры также рассматривает 20 театров, которые открылись в период с 2009 по 2020 год. не стали важными или значимыми – просто их влияние, открывшееся недавно, еще не может быть полностью оценено.
Апрель 2021 г.: 586 страниц / 451 иллюстрация
Твердый переплет: 978-1-138-48436-8 | £120.00 | $160.00
Мягкая обложка: 978-1-138-48438-2 | 59,99 фунтов стерлингов | $79,99
Электронная книга: 978-1-351-05218-4
ЗАКАЗАТЬ КНИГУ СЕГОДНЯ НА ROUTLEDGE.COM
Скидка 20% доступна на routledge.com
Введите код: MDT22 при оформлении заказа.
Другие продавцы:
Театр | Определение, история, стили и факты
Театр Фарнезе
Посмотреть все СМИ
- Ключевые люди:
- сэр Джон Ванбру Альдо Росси Клод-Николя Леду Анж-Жак Габриэль Марсель Брейер
- Похожие темы:
- театральный дизайн планетарий амфитеатр шоубот авансцена
Просмотреть весь связанный контент →
театр , также пишется театр , в архитектуре, здание или пространство, в котором может быть представлено представление перед публикой.
Слово происходит от греческого theatron , «место наблюдения». В театре обычно есть сцена, где происходит само представление. С древних времен эволюция дизайна театров определялась в значительной степени физическими потребностями зрителей, чтобы видеть и слышать исполнителей, а также меняющимся характером представляемой деятельности.
Происхождение театрального пространства
Цивилизации Средиземноморского бассейна в целом, Дальнего Востока, Северной Европы и Западного полушария до путешествий Христофора Колумба во второй половине 15 века оставили следы построек, связь которых с религиозно-ритуальной деятельностью их связывает. в театр. Исследования в области антропологии предполагают, что их предшественниками были круги у костра, вокруг которых собирались члены первобытной общины для участия в племенных обрядах. Карнак в Древнем Египте, Персеполь в Персии и Кносс на Крите — все они представляют собой примеры архитектурных сооружений, намеренно церемониальных по замыслу, размеров и конфигурации, подходящих для большой аудитории.
Они использовались как места собраний, в которых жреческая каста пыталась общаться со сверхъестественными силами.
Не до конца понятен переход от ритуала, предполагающего массовое участие, к чему-то близкому к драме, в которой проводится четкое различие между активными участниками и пассивными наблюдателями. В конце концов, однако, жреческая каста и исполнитель стали физически отделены от зрителей. Так возник театр как место.
События в Древней Греции
Визуальные и пространственные аспекты
В самый ранний период театра в Древней Греции, когда поэт Феспис, которому приписывают изобретение трагедии и первого актера, прибыл в Афины в 534 г. до н. э. его труппа на повозках, представления давались на агоре (то есть на рыночной площади) с деревянными трибунами для сидения зрителей; в 498 трибуны рухнули, несколько зрителей погибли. Подробные литературные отчеты о театре и декорациях в Древней Греции можно найти в De architectura libri decem римского писателя I века до н.
э. Витрувия и в Onomaasticon 2 века н. Поллукс. Однако, поскольку эти трактаты появились через несколько сотен лет после классического театра, точность их описаний вызывает сомнения.
Британника Викторина
Архитектура: построенный мир
Мало что сохранилось от театров, в которых ставились самые ранние пьесы, но основные детали были реконструированы на основе архитектурных свидетельств Театра Диониса в Афинах, который несколько раз реконструировался с момента его постройки из камня политиком Ликургом на юге. склон Акрополя около 330 г. до н.э. Центром театра было оригинальное место для танцев, плоское круглое пространство, в котором находился алтарь Диониса, называемый оркестром. В центре стояла площадка со ступеньками ( bemata ), ведущий к алтарю (тимеле). Неподалеку находился храм, из которого святой образ выносили в праздничные дни, чтобы бог мог присутствовать на представлениях.
Театральные представления, еще не совсем свободные от религиозного элемента, были обращены ко всему сообществу, и посещение их было практически обязательным.
Таким образом, первой заботой строителей театра того времени было обеспечение достаточного места для большой аудитории. Вначале вход был бесплатным; позже, когда взималась плата, бедным гражданам давали входные деньги. Судя по размерам театров, кажется разумным предположить, что актеры выступали на возвышении (вероятно, называемом 9-й платформой).0004 logeion , или «место для выступлений»), чтобы быть более заметным и слышимым, а хор оставался в оркестре. В более поздние времена здесь была высокая сцена с мраморным фризом внизу и коротким лестничным пролетом от оркестра. Великий эллинистический театр в Эпидавре имел то, что, как полагают, было высоким двухуровневым сценическим залом.
Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту.
Подписаться сейчас В самых ранних постановках не было фонового здания. Актеры одеты в skēnē (от чего происходит слово «сцена»), который тогда был небольшой палаткой, и хор и актеры вошли вместе с главного входа, parodos .
Самые ранние объекты, такие как алтари и камни, могли быть установлены на краю террасы. Первой дошедшей до нас драмой, для которой требовалось большое здание, была трилогия Эсхила « Орестея », впервые поставленная в 458 г. до н. э. Среди историков возникли разногласия относительно того, был ли skēnē установлен внутри сегмента оркестра или за его пределами. skēnē в своем более позднем развитии, вероятно, представлял собой длинное простое здание слева от террасы оркестра.
В первый период греческой драматургии основным элементом постановки был хор, размер которого, по-видимому, значительно варьировался. В « просителях » Эсхила было 50 членов хора, но в других его пьесах их было только 12, а Софокл призвал 15. Размер хора стал меньше в V веке, поскольку ритуальный элемент драмы уменьшился. . Поскольку количество актеров увеличивалось по мере сокращения хора, а сюжеты драм усложнялись, возникла необходимость в дублировании ролей. На полностью открытой сцене такие замены затягивались, и интрига драмы рассеялась.
Драматическое правдоподобие также портилось тем фактом, что боги и смертные, враги и друзья всегда входили с одного и того же направления. Добавление живописного фасада с тремя дверями более чем удвоило количество входов и дало драматургу больше свободы для развития драматического напряжения. Около 425 г. до н.0004 параскения . Зрители сидели на деревянных скамейках, расставленных веером, разделенных расходящимися проходами. Верхние ряды представляли собой скамьи из подвижных досок, поддерживаемых отдельными камнями, вкопанными в землю. Почетные места представляли собой каменные плиты с надписями, приписывавшими их жрецам.
Фоновая отделка первоначально состояла из временного деревянного каркаса, прислоненного к передней стене стоа и закрытого подвижными ширмами. Эти экраны были сделаны из высушенных шкур животных, окрашенных в красный цвет; только у Эсхила холсты в деревянных рамах украшались в соответствии с потребностями конкретной пьесы. Аристотель приписывает Софоклу изобретение живописи сцены, новшество, которое другие приписывают Эсхилу.
Примечательно, что Эсхил интересовался постановкой, и ему приписывают классический дизайн костюма. Простые греческие пейзажи можно было сравнить с пейзажами 20 века; импульс визуализировать и конкретизировать фон действия стал сильным. Нарисованные декорации, вероятно, впервые были использованы в производстве Орестея ; Примерно через 50 лет к деревянной конструкции сцены был добавлен второй этаж. Деревянная колоннада, или портик, proskēnion , располагалась перед нижним этажом здания. Эта колоннада, длинная и низкая, внешне напоминала дом, дворец или храм. Разрисованные экраны, установленные между колоннами proskēnion , указывали на место действия.
В начале декорации, вероятно, слегка менялись во время антрактов, отделяющих пьесы трилогии или тетралогии, или в ночь между двумя фестивальными днями. Ко второй половине V века смена сцены осуществлялась с помощью подвижных расписных ширм. Несколько таких экранов можно было поставить один за другим, так что при удалении первого появлялся тот, что находился сразу за ним.
Вскоре после появления фасада пьесы стали ставить перед храмом или дворцом. Для обозначения смены сцены были введены периакты . Это были вертикальные трехгранные призмы, каждая сторона которых была окрашена, чтобы представить разные местности, установленные заподлицо со стеной дворца или храма по обе стороны сцены. В отношении декораций было соблюдено несколько условностей; один заключался в том, что если поворачивали только правый периактос , то он указывал на другой населенный пункт в том же городе. Согласно другому соглашению, актеры, входящие справа, считались выходцами из города или гавани, а те, кто слева, — выходцами из деревни.
Постоянный фасад также использовался для сокрытия реквизитов сцены и оборудования. Свидетельства об использовании в V в. так называемой летательной машины mēchanē (лат. machina ) приводятся в комедиях Аристофана; персонаж его пьесы «Мир » возносится на небо на навозном жуке и обращается к сменщику сцены с просьбой не дать ему упасть.
mēchanē состоял из вышки и крана. Во времена Еврипида оно традиционно использовалось для эпилога, после чего бог спустился с небес, чтобы разобраться с осложнениями в сюжете, условность, которая стала известна как deus ex machina («бог из машины»). Широкое использование летательных аппаратов засвидетельствовано поэтом Антифаном, который писал, что драматурги-трагики поднимали в воздух машину с такой же готовностью, как они шевелили пальцем, когда им нечего было сказать.
Колесная платформа или фургон под названием ekkyklēma использовалась для демонстрации результатов закулисных действий, таких как тела жертв убийств. ekkyklēma , как и periaktoi , были приспособлением для театра под открытым небом, в котором возможности создания реалистических иллюзий были сильно ограничены. Реалистичная картина внутренней сцены под крышей не могла быть показана, потому что крыша закрывала бы обзор тем, кто находится на верхних ярусах зрительного зала. Так греки для изображения интерьера дворца, например, выкатывали трон на круглый или квадратный подиум.
